Al igual que muchos creadores, el caricaturista e ilustrador Alireza Karimi Moghaddam se enamoró de la obra de Vincent van Gogh y se sintió atraído por su historia. Moghaddam era un adolescente cuando empezó a admirar el estilo y los colores vibrantes del artista. Al estudiar la historia de Van Gogh, Moghaddam aprendió —y sigue […]
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]]>Al igual que muchos creadores, el caricaturista e ilustrador Alireza Karimi Moghaddam se enamoró de la obra de Vincent van Gogh y se sintió atraído por su historia. Moghaddam era un adolescente cuando empezó a admirar el estilo y los colores vibrantes del artista. Al estudiar la historia de Van Gogh, Moghaddam aprendió —y sigue aprendiendo— sobre la emblemática figura y ha creado toda una serie inspirada en su vida.
Moghaddam lleva años realizando ilustraciones de Van Gogh. A medida que la serie continúa, su obra sigue evolucionando. Sus últimas piezas muestran las famosas pinceladas gruesas y arremolinadas del artista, pero las ilustraciones de Moghaddam también se vuelcan sobre lo fantástico. Se ve a Van Gogh conviviendo con personajes como Frida Kahlo, y se le ve interactuando con tecnología contemporánea y experimentando los viajes en avión. Estos lujos modernos están muy lejos de la época de Van Gogh, quien se suicidó en 1890.
El objetivo principal de la obra de Moghaddam no es relatar hechos históricos. Se trata más bien de los sentimientos que provoca la obra del artista. “Para mí, Van Gogh no es solo un artista famoso y un genio, sino una forma de vida”, dice. “No es una figura frustrada y angustiada, sino un símbolo de amor, humanidad y altruismo. Entiendo y difundo sus ideas creativas desde una perspectiva diferente, y al contrario de la visión tradicional predominante, me gustaría que un Van Gogh diferente fuera un Van Gogh para todos”.
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]]>El artista digital TDRAW se especializa en arte generado por inteligencia artificial con el que explora mundos fantásticos. Una de sus piezas más recientes nos presenta un paisaje urbano futurista dividido en nueve partes que, cuando se unen, revelan otra obra de arte: una silueta que se asemeja al retrato de la Mona Lisa. El […]
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]]>El artista digital TDRAW se especializa en arte generado por inteligencia artificial con el que explora mundos fantásticos. Una de sus piezas más recientes nos presenta un paisaje urbano futurista dividido en nueve partes que, cuando se unen, revelan otra obra de arte: una silueta que se asemeja al retrato de la Mona Lisa.
El proyecto fue creado con una aplicación generadora de arte de IA llamada NightCafe Creator. La compleja composición consta de un paisaje rocoso tan lejos del suelo que incluso está rodeado de nubes. Los edificios futuristas están anclados a las laderas y las cimas de estos peligrosos acantilados, la mayoría de ellos iluminados por numerosas luces artificiales. Cada sección individual captura un aspecto diferente de este mundo, pero juntas exponen un secreto.
“Así es como debe exhibirse”, TDRAW dice en una publicación en Instagram. “La idea de esto era tener nueve piezas separadas colgadas en la pared que pudieran exhibirse individualmente como sus propias piezas o acomodarse juntas para revelar la imagen oculta: un tributo a la Mona Lisa“.
Puedes adquirir Desolate Civilization: Collected Fragments y más impresiones y productos en RedBubble, y mantente al día con sus más recientes proyectos siguiendo al artista en Instagram.
TDRAW: RedBubble | Instagram | Twitter
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]]>Desde que comenzó la invasión rusa en Ucrania, la artista ucraniana Olga Wilson ha estado creando lo que ella llama “notas de guerra”. Aunque evoca la idea de anotaciones en un diario, las notas de Wilson son en realidad dibujos y breves explicaciones (compartidas como pies de foto) en su cuenta de Instagram. Actualizados casi […]
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]]>Desde que comenzó la invasión rusa en Ucrania, la artista ucraniana Olga Wilson ha estado creando lo que ella llama “notas de guerra”. Aunque evoca la idea de anotaciones en un diario, las notas de Wilson son en realidad dibujos y breves explicaciones (compartidas como pies de foto) en su cuenta de Instagram. Actualizados casi a diario desde principios de marzo, sus dibujos digitales ofrecen un relato desgarrador de lo que está ocurriendo en su país.
En una paleta de colores muy concentrada en el azul, las estrellas brillantes son una constante en cada pieza. Sus ilustraciones son una forma de recordar a aquellos que han muerto, ya sea en su papel de soldados luchando contra Rusia o simplemente intentando sobrevivir en medio de la guerra. Muchas personas se ponen en contacto directamente con ella para que les dibuje a sus seres queridos. Un ejemplo conmovedor es una ilustración con una petición enviada a Wilson, y ella utilizó su talento para representar a Oksana Yaremenko. La mujer, de aspecto fantasmal, aparece con el pelo largo y el flequillo despuntado mientras acaricia un gato.
“El 28 de febrero de 2022, como resultado del primer bombardeo de la ciudad de Sievierodonetsk, murió mi colega Oksana Yaremenko”, dice el pie de foto de Instagram, “una voluntaria del zoológico y simplemente una buena persona. Siempre ayudaba a los animales y a las personas en cualquier situación. Murió saliendo a alimentar a sus gatos”.
Cada historia, cada “nota de guerra”, muestra la grave devastación que ha provocado este conflicto. A medida que las ciudades de Ucrania son arrasadas, las relaciones y las familias también son destruidas y divididas. Con su obra, Wilson hace y pide a sus espectadores una cosa: utilizar sus energías para hacer el bien —a través de homenajes y hermosos dibujos— y no el mal.
Olga Wilson: Sitio web | Instagram
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]]>Muchas personas recurren a la belleza y el consuelo de la naturaleza en momentos difíciles. Para la artista Julie Lai, con sede en Hong Kong, el acto de crear paisajes exuberantes le ha ayudado a procesar momentos que le cambiaron la vida y a profundizar en su autoconciencia. En este proyecto, llamado Crysalis, las figuras solitarias están rodeadas de fondos suntuosos llenos de color, formas orgánicas y pinceladas expresivas que arrastran al espectador a la energía tranquilizadora de la escena.
“Mi práctica artística es un viaje continuo que me ha permitido explorar profundamente mi mundo interior”, dice Lai a My Modern Met. “Me permite expresar mis emociones, recuerdos y experiencias de una forma más honesta. Creo que, en última instancia, mi deseo es expresarme auténticamente a través de mi propia perspectiva, con la esperanza de poder conectar con otros a través de mis ilustraciones.” Las vívidas piezas combinan imágenes de las meditaciones de la artista y las imbuyen con una sensación de fantasía.
Aunque los resultados de esta serie son impresionantes, para Lai, el acto de hacerla fue vital para su proceso de sanación. La creación de piezas ambientadas en suntuosos escenarios naturales fue especialmente importante. “Siempre me he sentido cómoda dibujando la naturaleza y estando en ella”, añade Lai. “Creo que al crecer en una ciudad tan ajetreada y acelerada como Hong Kong, las zonas de naturaleza que rodean la ciudad me dieron la oportunidad de conectarme conmigo misma y alejarme de todos los pensamientos negativos y preocupaciones. Las formas orgánicas que se encuentran en la naturaleza influyen en las formas que utilizo en mis ilustraciones”.
Puedes comprar impresiones y otros productos en la tienda de Etsy de Lai, y estar al día de sus últimos proyectos siguiendo a la artista en Instagram.
Julie Lai: Etsy | Sitio web | Instagram | Twitter
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]]>El artista británico Mr. Doodle, cuyo nombre real es Sam Cox, es famoso por garabatos de líneas gruesas y alta densidad. Compuestos por símbolos, personajes, formas y otros motivos, estos garabatos expansivos son tan únicos como su creador. Y si bien puede ser difícil descifrar lo que sucede en sus piezas a gran escala, la mayor parte de su inspiración tiene su origen la vida de Mr. Doodle. Su primera exposición individual, Mr. Doodle in Love (“el Sr. Garabato enamorado”) ha hecho su debut en el Museo de arte Shanghai K11 y narra la historia de amor del artista.
Con 108 piezas nuevas, esta muestra se compone de una serie de garabatos de Mr. Doodle con sus características gruesas líneas negras, algunas de las cuales ilustran su relación con la artista Alena Cox–ahora también conocida como Mrs. Doodle (o la “Sra. Garabato”)– hasta su matrimonio en 2021. Si bien el famoso dibujante es conocido por su uso del blanco y negro, esta exposición se destaca por la exhibición de piezas con colores, que resaltan el nuevo capítulo de la vida del artista.
“Mrs. Doodle y yo estamos muy contentos de haber trabajado juntos en esta exhibición, fue muy divertido hacer todas las piezas y luego ver lo que hizo mi esposa con los colores que le dieron a las obras una dimensión completamente nueva”, dijo Mr. Doodle le dice a My Modern Met. “Me encanta ver las fotos de los visitantes en la exposición, es muy lindo ver a la gente disfrutar de estos garabatos que se basan en cosas que son personales para nosotros”. Sus garabatos abarcan salas enteras, muebles y pisos de la exposición para crear una experiencia verdaderamente interactiva para los amantes del arte de todas las edades. Para los más atrevidos, incluso existe la oportunidad de completar algunos de los dibujos de corazones con crayones de colores. Además, el artista es conocido por realizar visitas improvisadas a la muestra a través de una cabina telefónica roja.
Mr. Doodle in Love estará en exhibición hasta el 5 de junio de 2022 en el Museo de arte Shanghai K11.
Mr. Doodle: Sitio web | Instagram | Facebook | YouTube
K11: Sitio web
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]]>Al trabajar con tinta o acuarela, no siempre puedes controlar lo que sucederá. No obstante, el artista serbio Endre Penovác ha aprendido a adoptar la rebeldía de estos medios a base agua en sus encantadoras ilustraciones de gatos. Comenzando con unas gotas de pigmento negro, Penovác las deja correr por el papel hasta que la mancha imita la forma sinuosa de un felino.
Cada una de estas bellas piezas minimalistas resalta la belleza discreta de la tinta negra; en particular, el artista destaca las formas en las que interactúa con el agua, el pincel y el papel. Por ejemplo, una pincelada larga se convierte en una cola ondulada, y una mancha de tinta negra que se desvanece en tonos grises cada vez más claros se transforma fácilmente en el cuerpo de un gato. Incluso el difuminado de la pintura, que Penovác acentúa delicadamente con sus herramientas, es aprovechado por el artista para formar la textura del pelaje.
Arraigado en la simplicidad, el arte de Penovác prospera con una paleta de colores limitada. A pesar de que solo usa tinta negra, azul y (ocasionalmente) amarilla, puede pintar diferentes tipos de gatos utilizando formas y espacios negativos. En una pieza, el patrón de un felino blanco y negro está parcialmente determinado por la ausencia de tinta negra en áreas de la figura del gato. Incluso sin una línea que nos guíe, seguimos la forma de las otras áreas clave de pintura para completar la imagen del animal.
Puedes comprar impresiones y obras de arte originales de Penovác en Saatchi Art, y mantente al día con los últimos trabajos del artista siguiéndolo en Instagram.
Endre Penovác: Saatchi Art | Sitio web | Facebook | Instagram
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]]>Ya sea que hayas amado las caricaturas toda tu vida o que no hayas visto un solo programa animado desde que terminó tu infancia, hay personajes a los que seguro recuerdas muy bien. Esto se debe en parte a sus llamativos y distintivos diseños que se pueden reutilizar de diversas formas. El estudio peruano de diseño Dodoconyoyo explora el poder visual del color en relación con los personajes de dibujos animados más famosos al distorsionar por completo sus formas.
Desde Garfield hasta Bob Esponja, la serie Deconfiguring Cartoons presenta algunos de los personajes más conocidos de las caricaturas, desde títulos clásicos hasta series contemporáneas. “Los dibujos animados siempre han sido y serán parte de nuestras vidas”, le dice el equipo de Dodoconyoyo a My Modern Met. “Desde que tenemos memoria, fueron sus colores los que de alguna manera definieron nuestra forma de ver las combinaciones de colores en nuestras mentes. Así que siempre quisimos hacer un proyecto con ellos y luego se nos ocurrió esto”.
Sorprendentemente, los colores que asociamos con estos personajes de dibujos animados te ayudan a identificarlos casi instantáneamente a pesar de sus formas retorcidas. Por ejemplo, Mickey Mouse aparece estirado de lado a lado, pero sabemos que es él por la presencia de los colores negro, blanco, rojo y amarillo. De manera similar, Finn el humano de Hora de aventura ha sido extendido de manera diagonal, pero su gorro blanco y su ropa azul nos ayudan a identificarlo de todos modos. Otros personajes presentes en la serie son Bob Esponja, Garfield, Pedro Picapiedra y Bugs Bunny, entre otros.
Sigue a Dodoconyoyo en Instagram para no perderte ninguno de sus proyectos.
Dodoconyoyo: Sitio web | Facebook | Instagram
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]]>El reino animal está formado por numerosas criaturas con anatomías, colores y patrones únicos. El artista Wayne Tsay, con sede en Los Ángeles, celebra la diversidad de la naturaleza retándose a sí mismo a crear expresivos retratos de mamíferos, peces y reptiles. Su estilo distintivo representa a las criaturas con amplias pinceladas, formas reconocibles y delicadas paletas de colores.
Desde un tigre que acecha en el bosque hasta un pez payaso que se asoma por detrás de las anémonas, estos retratos celebran a diferentes especies mientras viven su día a día. Tsay no se centra en los detalles de sus sujetos, sino que prefiere pintar una imagen más general del animal en movimiento. Asimismo, comunica la forma del cuerpo de cada sujeto aplicando el color en franjas gruesas rectangulares.
Mientras que algunas obras combinan la representación del animal con un entorno natural, otras yuxtaponen el sujeto con un fondo abstracto. Tsay hace un fondo simple a propósito para que la atención del espectador se centre únicamente en el animal, lo que a su vez resalta la elegancia de la forma del sujeto.
Sigue hacia abajo para ver más obras de Tsay, y mantente al día con las últimas obras del artista siguiéndolo en Instagram.
Wayne Tsay: Sitio web | Facebook | Instagram
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]]>El amor no siempre se trata de los grandes gestos. A veces, los momentos más significativos ocurren en el día a día. El artista coreano Myeong-Minho 명민호 captura estas interacciones pasajeras en su encantadora serie de ilustraciones de parejas.
Cada uno de sus dibujos representa el amor entre parejas a través de actividades y momentos diarios. Algunos retozan al aire libre en campos de flores, soplando burbujas y escapándose de la lluvia, mientras que otros se relajan en el interior tomando una taza de café. De vez en cuando, Meyong-Minho también dibuja familias felices con un par de niños.
El artista combina un estilo simplista para las figuras con fondos semirrealistas. Como resultado, el arte de Myeong-Minho se lee como un cómic. En una sola ilustración, entendemos lo más básico de la vida de cada pareja, como lo que les gusta y dónde están. Algunas de estas parejas parecen estar comenzando su relación, mientras que otras parecen llevar años juntas. Independientemente de qué tan viejos o jóvenes se vean, estos personajes demuestran que el amor se mantiene vivo a cualquier edad.
Sigue a Minho en Instagram para mantenerte al tanto de todas sus creaciones.
Myeong-Minho 명민호: Instagram
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]]>Si amas el arte y la arquitectura y buscas algo para decorar tu hogar, el trabajo de Studio Sander Patelski podría ser justo lo que necesitas. Patelski crea piezas vibrantes inspiradas en la arquitectura y el diseño modernista. Su catálogo incluye versiones estilizadas de edificios icónicos como Casa Eames de Charles y Ray Eames y el Museo Solomon R. Guggenheim de Frank Lloyd Wright. También recrea elegantes interiores modernos, fachadas ficticias y composiciones más conceptuales con colores y formas atrevidas.
El proceso artístico de Patelski comienza con una inmersión profunda en el tema elegido. “Cuando me encuentro con un edificio o un interior que me gusta hacer, reúno todo el material que puedo encontrar”, le dice el artista a My Modern Met. “Quiero ‘comprender' el edificio o el espacio tanto como pueda antes de comenzar a dibujar”.
Patelski no tenía conocimientos arquitectura. Su serie surgió de la escasez de trabajos freelance y la abundancia de tiempo que sintieron muchos artistas durante a la pandemia de COVID-19. Cuando esto sucedió, el artista finalmente tuvo la oportunidad de dibujar los estilos modernos de principios y mediados de siglo que siempre había apreciado. Aunque Patelski comparte que su obra favorita suele ser la última en la que trabajó, la serie le permitió estudiar la arquitectura de Juan O'Gorman. Ahora le gustan especialmente estos dibujos de su serie. A continuación podrás una pieza inspirada en el trabajo de O'Gorman, el Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo.
Después de tantas piezas, Patelski ha desarrollado una biblioteca llena de texturas y superposiciones interesantes. “Uso muchos patrones de medios tonos porque hacen que la ilustración sea más vibrante”, explica. “También me mantengo en el boceto aproximado. Siempre es agradable ver que el dibujo cobra vida cuando empiezo a agregar el sombreado y empiezo a jugar con los colores”.
Patelski dice que pronto llevará sus dibujos bidimensionales a un nuevo medio comenzando con pequeñas esculturas inspiradas en sus estudios de composición y fachadas ficticias. Asegúrate de visitar su sitio web para ver sus nuevas impresiones y el medio alternativo con el que expermentará en un futuro próximo.
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